Cómo los VFX modernos han superado a la realidad: el making-of que nadie te cuenta

Hay una escena en Avengers: Endgame que costó más de 10 millones de dólares solo en efectos visuales. Hay planos en 1917 de Sam Mendes que parecen rodados en una sola toma continua y que, en realidad, son el resultado de meses de trabajo de artistas de VFX que unieron decenas de fragmentos hasta que la costura fuera invisible. Y hay películas enteras —como Avatar, The Lion King de 2019 o Gemini Man— donde prácticamente cada fotograma ha sido retocado, aumentado o creado completamente por ordenador.

Los efectos visuales modernos han alcanzado un nivel de sofisticación que, literalmente, ha superado a la realidad. Y la historia de cómo llegamos hasta aquí es tan fascinante como cualquier película de Hollywood.

De maquetas y marionetas a píxeles: la revolución de los 90

Antes de la era digital, los efectos especiales eran efectos prácticos: maquetas físicas, marionetas, maquillaje, pirotecnia y la habilidad de los directores para sugerir lo que no podían mostrar directamente. Star Wars (1977) fue una revolución en ese sentido: George Lucas y su equipo de ILM (Industrial Light & Magic) usaron técnicas nunca vistas de fotografía de maquetas y composición óptica para crear secuencias espaciales que nadie había visto en pantalla.

El punto de inflexión digital llegó con Terminator 2 (1991), donde ILM creó por primera vez una figura humana completamente sintética con movimiento fluido y convincente. Dos años después, Jurassic Park demostró que los dinosaurios digitales podían coexistir de manera creíble con actores reales en escenas diurnas y con iluminación compleja. El cine nunca volvió a ser lo mismo.

El pipeline invisible: cómo se hacen los VFX modernos

Una película de superhéroes contemporánea puede tener entre 2.000 y 3.000 planos con efectos visuales —en algunos casos más del 90% de la película. Para cada uno de esos planos, existe un pipeline de producción que puede involucrar a cientos de artistas en estudios de VFX distribuidos por todo el mundo: India, Canadá, Reino Unido, Australia, España.

El proceso simplificado funciona así: el director rueda la escena con actores reales frente a pantallas verdes o azules (chroma key), con marcadores de posición para los elementos digitales que se añadirán después. El supervisor de VFX en el set registra meticulosamente las condiciones de iluminación y las posiciones de cámara para que los artistas digitales puedan reproducirlas con exactitud. En postproducción, equipos especializados trabajan en diferentes aspectos: modelado 3D de los personajes o entornos digitales, animación de sus movimientos, simulación de física (pelo, ropa, agua, fuego, humo), renderizado —el proceso computacionalmente intensivo de calcular cómo la luz interactúa con cada superficie— y finalmente compositing, donde todos los elementos se fusionan en el plano final.

Los actores digitales: de Gollum a Caesar

Uno de los logros más extraordinarios de los VFX modernos es la creación de personajes digitales que transmiten emociones con la misma credibilidad que un actor de carne y hueso. La tecnología que lo hace posible se llama performance capture o motion capture: sensores en el cuerpo y la cara del actor registran cada movimiento y microexpresión, que luego se trasladan a un personaje digital.

Andy Serkis fue el pionero con Gollum en El señor de los anillos (2001), y perfeccionó la técnica con King Kong (2005) y Caesar en la trilogía de El planeta de los simios (2011-2017). El Thanos de Josh Brolin en el universo Marvel, el Hulk de Mark Ruffalo o el Snap de Thanos en Endgame son el resultado de años de refinamiento de esta tecnología.

El siguiente nivel es la síntesis facial completa: en El Irlandés (2019), Martin Scorsese usó VFX para «rejuvenecer» digitalmente a Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci en décadas de diferencia. El resultado fue técnicamente impresionante aunque debatido en términos de credibilidad emocional. En Indiana Jones y el Dial del Destino (2023), se fue un paso más allá recreando completamente la cara joven de Harrison Ford.

La crisis silenciosa de la industria del VFX

Detrás del glamour de las secuencias espectaculares hay una industria con problemas estructurales graves. Los estudios de VFX trabajan frecuentemente a pérdidas, presionados por las grandes productoras a reducir costes y plazos. Los artistas de VFX —cuyo trabajo es literalmente lo que hace posibles las películas modernas— están entre los trabajadores peor pagados y más explotados de Hollywood en relación a su nivel de cualificación.

En 2023, los trabajadores de VFX de varios estudios se sindicaron por primera vez, reclamando mejores condiciones laborales. El debate sobre el crédito y el reconocimiento artístico de los artistas de VFX —que en muchos casos son los verdaderos autores visuales de las películas que ven cientos de millones de personas— sigue sin resolverse satisfactoriamente.

La IA en los VFX: ¿revolución o amenaza?

La inteligencia artificial está transformando el pipeline de los VFX con una velocidad que está generando entusiasmo y pánico a partes iguales. Herramientas como la generación de texturas procedurales, la rotoscopia automática, el inpainting para eliminar elementos no deseados o la síntesis de entornos están reduciendo dramáticamente el tiempo necesario para ciertos tipos de trabajo. Lo que antes requería semanas de trabajo manual puede hacerse ahora en horas o días.

Para la industria, esto significa menores costes y mayor velocidad. Para los artistas, significa que algunas de las tareas más mecánicas y repetitivas —y por tanto, las que ocupan a los perfiles más junior— están siendo automatizadas. La pregunta de qué trabajos quedan para los humanos cuando la IA puede generar entornos fotorrealistas en segundos está en el centro del debate más importante que tiene hoy la industria cinematográfica.